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Grabación Editar

Tan pronto como las sesiones de Queen terminaron en marzo de 1973, la banda se tomó un breve descanso antes de regresar a los estudios para trabajar en el siguiente.

El creativo y prolífico grupo, rebosante de ideas, entró en los Estudios Trident en agosto para establecer las canciones que se convertirían en parte de su segundo álbum, al que titularon de forma poco imaginativa Queen II. (Brian admitió después que consideraron llamarlo Over The Top, pero que la idea fue descartada.) Añadieron algunas nuevas a las que habían sido escritas en tiempos del primer álbum (incluyendo Father To Son, Ogre Battle y Seven Seas Of Rhye), como también un más vieja escrita por Brian durante sus días de Smile (White Queen (As It Began)). Los temas escritos en ese momento eran mucho más atrevidos que cualquier cosa antes intentada.

Parte de esa creatividad se debió a la necesidad de distingirse de los otros grupos del momento. El glam rock estaba emergiendo del rock 'n' roll, y con David Bowie y Roxy Music lanzando discos que definirían el género (Aladdin Sane y For Your Pleasure, de forma respectiva), de repente el estilo se empezó a volver popular. Mott the Hoople se convirtió en la banda de glam rock definitiva en los setenta (la segunda si se incluye a T. Rex); de forma curiosa, Queen serían sus teloneros en la gira británica invernal de 1973, y de nuevo ala primaveral de 1974 por Estados Unidos. Y no debería dejarse sin mencionar que el grupo se acercó a Bowie para producir Queen II, pero el rockero camaleónico tuvo que rechazar la oferta; su única colaboración no sucedería hasta años después.

Los álbumes conceptuales eran también una moda creciente, sobretodo con el lanzamiento en marzo de 1973 del disco de Pink Floyd Dark Side Of The Moon; mientras que Queen II no es de forma estricta conceptual, hay un tema que deifine a todas las canciones que aparecen, lo que fue confirmados, aunque de forma indirecta, cuando se decidió poner todas las canciones de Brian – y la única contribución de Roger, The Loser In The End – en el primer lado (llamado el «Lado Blanco») y todas las de Freddie en el segundo (titulado el «Lado Negro»). El primero es instrospectivo e introvertido, debido al estilo de composición de Brian; la multipista Procession forma una introducción lúgrube al álbum, dirige hacia los arpegios de piano de Father To Son, influenciada en en varias maneras por The Who y Led Zeppelin. White Queen (As It Began) le sigue, y es con toda probabilidad una de las balladas de Brian más deslumbrantes y emotivas, y después está la cantada por él mismo Some Day One Day, que menciona castillos de niebla y posible realeza; esta aventura de fantasía serían desarolladas después en las canciones de Freddie. The Loser In The End, la cual es considerada por muchos fans como mal colocada, cierra el primer lado, y es otro tema muy influenciado por The Who.

Las canciones de Freddie forman una mezcla, con cada una fluyendo de forma suave sin esfuerzo, siendo la última más compleja que la anterior: empezando con la frenética Ogre Battle y seguiendo con la desenfadada The Fairy Feller's Master-Stroke (inspirada por la pintura de Richard Dadd del mismo nombre), la balada lastimera de Nevermore se mezcla con la obra maestra de The March Of The Black Queen, que sería la percusora de Bohemian Rhapsody. Funny How Love Is, situada en un lugar extraño, y con una notable influencia de los Beach Boys, es es la conclusión de la suite, con Seven Seas Of Rhye añadida con buena medida.

En cuanto a los instrumentos, la banda estaba más dispuesta a experimentar y explorar, aparte de la línea típica de batería, bajo y guitarra, fueron usados varios instrumentos de teclado - un órgano Hammond y una marimba en The Loser In The End, clavecín en Father To Son y The Fairy Feller's Master-Stroke - además de percursión - campanas tubulares y castañuelas en The March Of The Black Queen. El sonido, también es más exuberante y amplio que en el debut; las guitarras acústicas fueron usadas sobretodo para doblar el ritmo, una técnica perfecionada por Los Rolling Stones y The Who en los sesenta. Parte del sonido se debe a que se añadiera a Robin Geoffrey Cable como co-productor de un puñado de temas, aunque Roy Thomas Baker también estaba allí para ir un paso más alla que en el primer álbum.

Lanzamiento Editar

Lanzado en marzo de 1974 (retrasado bastante por la falta de pretóleo y un fallo de imprenta) con las esperadas opiniones divididas, el álbum llegó al quinto puesto en el Reino Unido y al cuarenta y nueve en los Estados Unidos, mientras que el sencillo de Seven Seas Of Rhye alcanzó el décimo en el Reino Unido. El disco fue cubierto por la foto icónica de Mick Rock, hecha usando el máximo de luz y sombra para crear una atmósfera lúgubre. La banda se encandiló tanto con la foto que fue usada para el vídeo promocional Bohemian Rhapsody al año siguiente. Dentro había una foto más ligera de una banda de apariencia joven con los ojos abiertos (como una imagen espejo de la carátula) resplandeciente con galas blancas. (Además, el nombre de John Deacon al fin se había librado de la broma interna de «Deacon John»). En ese momento, ya se habían vuelto especialistas en actuaciones en vivo, y estaban a punto de embarcase en su primera gira estadouniense, aunque en esa primavera Queen estuvo a punto de dejar de existir.

Relanzamiento de Hollywood Records Editar

El álbum fue relanzado en 1991, añadiendo el lado B fuera del álbum See What A Fool I've Been (basada en una canción de Sonny Terry y Brownie McGhee, That's How I Feel, y escrita por Brian en su época de Smile), como también dos remezclas: una clara de Ogre Battle y una insípida en estilo dance de Seven Seas Of Rhye. (aunque tuvo una gran aprobación por parte de Freddie)

Lista de canciones Editar

Versión de vinilo

  • Lado Blanco:
  1. Procession
  2. Father To Son
  3. White Queen (As It Began)
  4. Some Day, One Day
  5. The Loser In The End
  • Lado Negro:
  1. Ogre Battle
  2. The Fairy Feller's Master-Stroke
  3. Nevermore
  4. The March Of The Black Queen
  5. Funny How Love Is
  6. Seven Seas Of Rhye

1991 Hollywood Records CD

  1. Procession
  2. Father To Son
  3. White Queen (As It Began)
  4. Some Day, One Day
  5. The Loser In The End
  6. Ogre Battle
  7. The Fairy Feller's Master-Stroke
  8. Nevermore
  9. The March Of The Black Queen
  10. Funny How Love Is
  11. Seven Seas Of Rhye
  12. See What A Fool I've Been
  13. Ogre Battle (remix)
  14. Seven Seas Of Rhye (remix)

2011 Universal Records CD

  • Disco 1:
  1. Procession
  2. Father To Son
  3. White Queen (As It Began)
  4. Some Day, One Day
  5. The Loser In The End
  6. Ogre Battle
  7. The Fairy Feller's Master-Stroke
  8. Nevermore
  9. The March Of The Black Queen
  10. Funny How Love Is
  11. Seven Seas Of Rhye
  • Disco 2 – Bonus EP:
  1. See What A Fool I've Been (BBC version, July 1973; 2011 remix)
  2. White Queen (As It Began) (live version, Hammersmith Odeon, December 1975)
  3. Seven Seas Of Rhye (instrumental mix)
  4. Nevermore (BBC version, April 1974)
  5. See What A Fool I've Been
  • Vídeos exclusivos extra de iTunes:
  1. White Queen (As It Began) (live version, Rainbow Theatre, November 1974)
  2. Seven Seas Of Rhye (live version, Wembley Stadium, July 1986)
  3. Ogre Battle (live version, Hammersmith Odeon, December 1975)

Sencillos Editar

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Seven Seas Of Rhye, 1974

Queen Habla Editar

John Deacon - Agosto de 1974, Music Star

«Lo más importante para mí fue que el disco de Queen II entrara en las listas de éxitos, lo que fue especialmente satisfactorio, ya que al primero no le fue tan bien. Es bueno ver algo de reconocimiento por tu trabajo, aunque normalmente no me preocupo demasiado. Roger tiende a preocuparse más por lo que pasa en ese lado.»

Roger Taylor - Mayo de 1975, Record Mirror

«Odié el título del segundo álbum, Queen II, era tan poco imaginativo.»

Reseñas Editar

Rolling Stone, 1974 Editar

Queen es una banda razonablemente talentosa que ha elegido a sus modelos imprudentemente. En el «Lado Negro», se aventuran en un mundo de cuentos de hadas líricamente confuso, sin el ingenio ni la sofisticación de Génesis. También se han apropiado de los elementos más irritantes del estilo de Yes: la voz histriónica, la complejidad compositiva abrupta y sin sentido, y la escasez de melodías. El «Lado Blanco» es una gran mejora, que contiene muchas de las mismas tendencias confusas, pero con la gracia salvadora de acordes de potencia oportunos y bien elegidos y algunas melodías bastante bonitas. Pero el álbum sigue siendo un asunto tambaleante y tristemente poco original.

Winnipeg Free Press, 1974 Editar

Tan decepcionante como Ridin' The Storm Out (R. E. 0. Speedwagon) es, Queen II, la segunda salida del último equipo de rock glamuroso de Inglaterra, es aún más deprimente. Es difícil creer que esta monstruosidad sobre-producida realmente fue grabada por la misma banda que produjo Queen, un paquete genuino de dinamita que explotó en los adictos al heavy metal a ambos lados del Atlántico. En pocas palabras, la música suena como si hubiera sido introducida en un ordenador y regurgitada en forma de un montón de clichés musicales cansados y poco originales. Existe la posibilidad de llevar demasiado lejos la perfección técnica, a riesgo de sacrificar la vara de «la energía y la vitalidad tan necesarias para que la música tenga algún tipo de impacto.
Hay algunas partes bonitas en el transcurso del tiempo de reproducción del álbum, particularmente en el lado negro, que comienza con la sobreproducida pero todavía impresionante Ogre Battle. Lamentablemente, la mayoría de las voces multipistas, que se superponen a un sinnúmero de temas instrumentales, no suman nada sustancial. Captain Beyond hizo que este tipo de cosas funcionaran en su álbum de debut, pero la afición de Queen por la escuela de rock artístico Yes eclipsa las incursiones en la marca de heavy metal Led Zeppelin - Black Sabbath, que funcionó tan bien en su anterior salida. No voy a perder la esperanza en Queen, que todavía tiene los medios para hacer otro álbum tan bueno como el primero. Desafortunadamente, no es aquí.